Une intro rentre dedans

En début de morceau, on évite d’envoyer la fanfare au grand complet. Un 1er élément, puis un autre. Petit à petit le morceau démarre, comme la diesel à mamie.

Problème: ton intro sonnera moins fort que le reste du morceau…

Et c’est gênant car les musiques pro commencent toutes par une intro à bon volume, même avec peu d’éléments. Alors pas le choix: tu dois faire pareil… Sinon à côté d’eux, ton morceau te fera aussi honte que ton pote en baskets/jogging à cette fameuse soirée de gala.

Idem en musique: les gens jugent sur leur 1ère impression, l’intro. Sauf qu’ils le font le doigt posé sur le bouton “next”…

Alors comment faire?

Eh bien une solution toute simple consiste à ajouter une automation de volume sur la piste Master de ton projet: quelques dB en plus pour gonfler l’intro. Ensuite, dès que le gros de la cavalerie déboule, tu reviens à un niveau normal.

 

Fais en sorte que ce soit le plus subtil possible: tout en courbes progressives et légèreté des réglages. (Laisse parler ton côté féminin si t’es un gars. On ne te jugera pas)

–> Une astuce toute simple et incontournable pour montrer que ton morceau en a dans le pantalon, dès le départ.

La suite? On va réveiller ta batterie à grands coups d’électrochocs.

Muscler ta batterie

En home studio: Samples de batterie = raccourci malin.

Le rendu est plus propre et plus rapide à obtenir que de:

1. sortir sa palanquée de micros et bien les placer
2. calfeutrer ses murs
3. faire hurler les voisins à bourriner sur sa batterie

Le hic, c’est que les samples ça peut vite sonner plat et sans vie.

Car OK… tu as soigné le feeling et ajouté des variations pour l’humaniser à fond. Déjà: bravo, ça c’est du sérieux.

Mais à l’étape mixage, tu peux faire encore mieux:

Booster l’intensité du jeu de la batterie.

Tu as peut-être remarqué comme ton pote Igor le batteur tapait comme un mulet sur les refrains? Eh bien oui, tu peux t’inspirer de ce même Igor… avec un brin de nuance en plus.

Au mixage, arrange toi pour que le volume de la batterie soit plus fort de quelques petits dB sur les passages qui demandent plus d’énergie, comme les refrains.

–> Ta batterie sonnera plus réaliste et elle contribuera à renforcer la patate des passages punchy.

 

A l’écoute du médium

Les fréquences “medium”.

On l’oublie souvent, mais ce sont elles le devant de la scène. Ce sont elles qui supportent les acteurs principaux: voix et autres leads.

Et comme le disais mon pote Dr DRE (que je ne connais pas):

“Si tu arrives à bien faire sonner ton mix sur des enceintes bon marché (très ”medium“), ça sonnera à merveille sur des enceintes normales.”

Car oui, quand tu écoutes de la musique sur ton ordinateur portable, ton smartphone, ou tout autre support avec des petits hauts parleurs… t’entends juste des mediums.

Dans son livre, Mike Senior nous conseille l’Auratone. Une enceinte au son pourri “medium”, très prisée des studios pro pour anticiper ce que va donner le mix dans la vie réelle.

–> Vérifie bien ton mix sur un support d’écoute qui restitue surtout des fréquences medium. Tu n’es pas obligé d’investir dans une enceinte Auratone ou équivalent*: des vieilles enceintes de PC feront l’affaire. 

Voici maintenant une astuce cachée, pourtant bien connue des studios pro.

Boost de fréquences sans EQ

Comment tu fais quand il manque certaines fréquences à un instrument?

Par exemple, ta basse qui manque de mordant dans les médiums, mais qui n’a pas l’once d’un dB dans ces fréquences.

Laisse moi deviner… tu lui colles le 1er équaliseur qui te tombe sous la main et tu lui fais cracher des medium en boostant à +6dB… +9dB peut-être?

Petit conseil: mollo avec les boost d’EQ. Préfère enlever, ça sonnera mieux. Et puis ici, si tu boostes des fréquences qui n’existent pas: soit ça fera rien, soit ça fera bizarre.

Alors voici comment gérer avec tact et délicatesse ces pistes récalcitrantes:

Fais leur bouffer de la saturation.

Oui de la satu… tu pensais que c’était juste un joujou orange qu’un certain grunge en converses piétinait pour passer du couplet au refrain?

Que neni. La saturation est autant utilisée au studio que l’equaliseur. Elle crée des harmoniques dans les fréquences mediums et aigues. Des fréquences qui n’existaient pas à la base.

Parfait non?

C’est ce qui te fallait pour ta basse: mets lui un soupçon de saturation et tu la verras sortir du mix aussi bien que la grande Berthe sur tes photos de classe de 6ème.

Mais attention.

La saturation, c’est du piment rouge: juste un soupçon pour relever un peu. Trop en mettre = mix agressif = musique inécoutable = t’es dégouté.

–> Utilise la saturation et non l’équalisation lorsque tu dois “créer” des fréquences qui n’existent pas dans là partie haute du spectre.

Bien. Abordons à présent avec sérénité un sujet un peu sensible: ta santé mentale et physique. (oui, je m’inquiète pour toi)

Ecouter pour parler

Je sais. Tu es tout excité par ta nouvelle compo.

Alors tu pousses le volume pour bien en profiter. C’est humain. On fait tous ça…

Sauf que quand tu mixes, t’es en mode travail, et non plaisir. Et pour pouvoir travailler longtemps, il faut savoir ménager tes petits capteurs auditifs si sensibles.

Pour ça, le conseil de l’ami Bobby, (l’auteur de ce livre dont j’adore le prénom) c’est: “mixe à un volume qui te permettrai de suivre une conversation normale avec quelqu’un”.

Et quand je te dis pouvoir travailler “longtemps”, ça a 2 significations:

1) Le longtemps “courte durée”: à la place de mixer 3 heures d’affilées et de finir la tête vidée de toute substance, tu pourras mixer toute une journée comme un pro. Sans souci.

2) Le longtemps “longue durée”: mixer à bas volume te permettra aussi d’éviter que ta prochaine marque d’écouteurs soit des Sonotone. (Demande à papy ce que c’est…)

–> Mixe à bas volume 99% du temps. Au niveau d’une conversation normale.

Avantage bonus: une oreille qui se fatigue moins, c’est une oreille plus précise et donc des mixages mieux réussis.

Prochaine astuce? Un célèbre tour de magie enfin révélé.

Astuce 6: L’illusion de dynamique

(Astuce inspirée du livre: The mixing engineer’s handbook)

Tu le sais, il faut que ta musique sonne assez fort pour être compétitive. Triste loi de la “loudness war” qui perdure encore…

Mais ce n’est qu’une des raisons… Il est loin le temps où on écoutait sa musique pépère à côté du gramophone. Pantoufles. Fauteuil Louis XVI. Chat sur les genoux.

Aujourd’hui la musique s’écoute dans des endroits au bruit de fond souvent élevé (voiture, centre commercial, etc). Et si les musiques actuelles sont compressées, c’est aussi pour passer au dessus de tout ce brouhaha.

Notre bon tonton Mozart, lorsqu’il lui prit l’idée saugrenue d’inscrire “pianissimo” en bas de ses partitions, ne savait pas qu’un jour on pourrait écouter sa musique au salon des vins de Bordeaux… et qu’elle se retrouverait noyée sous les bruits de foule et de tire-bouchons. POP!

Alors, Question-qui-tue: comment faire pour que le son soit à un bon niveau, mais avoir quand même du contraste entre les différentes sections?

Et la réponse à la Question-qui-tue se trouve…? dans la Question-qui-tue elle-même.

Il s’agit du contraste. Il te faut jouer sur le contraste entre les sections.

Tu ne peux pas accentuer le volume, alors trouve d’autres stratagèmes:

• Tu veux que ton refrain sonne fort? baisse le volume de la section juste avant pour tromper nos oreilles. Exemple: un pré-refrain pour casser, calmer le jeu.
• Tu peux aussi jouer sur la densité: un couplet très aéré et un refrain très dense.
• Ou encore: section A très “washy washy” avec beaucoup de reverbe, section B sans reverbe, bien dans ta face. (style “minimal” de Berlin)

–> Concentre-toi sur d’autres éléments que le volume pour ajouter du contraste. Plus tu le renforceras, plus grande sera l’illusion de dynamique entre les sections.

(Rappel: dynamique = différence de volume)

Allez, prochaine étape: des garde du corps pour la star.

Une voix d’autoroute

Parfois on a du mal à insérer une voix dans une instrumentale chargée.

Ta douce chansonette se retrouve étouffée sous une troupe de gueulards qui lui marche dessus sans pitié, en mode “bataille pour la terre du milieu des mediums”.

Un gros carnage sonore dans lequel on ne distingue plus l’héroïne de l’histoire.

Alors voici 3 solutions pour tailler un espace protégé à ta voix:

1) À l’arrangement, débrouille-toi pour que les autres instruments “medium” se taisent quand la voix s’exprime: Sort le sécateur. Découpe tes pistes. Elimine les intrus.

2) Sur ces instruments envahissants, tu peux aussi leurs retirer les fréquences qui sont importantes pour la voix. Ils ont le droit de rester, mais tu les amputes d’une partie de leur timbre.

3) Mets-les gêneurs en sourdine quand la voix s’exprime: le bon vieux “sidechain”. Un compresseur ou un effet gate piloté par la voix pour baisser le volume de l’élément gênant. Ex: –3dB sur une guitare acoustique à chaque fois que la voix est présente.

–> Pour tailler un chemin royal à la star de ton morceau, dégage ou musèle ces malotrus qui osent lui couper la parole.

Bien. C’est l’heure d’aborder un sujet grave… une sombre histoire qui se répète encore et encore.

Un chemin balisé et éprouvé

Quel curieux mélange d’émotions.

De l’excitation. Du trac.

Aujourd’hui, tu es enfin venu à bout de ton mix, après des heures de travail.

Et tu poses pour la première fois ton casque sur les oreilles de quelqu’un d’autre.

– Play –

“Il bouge la tête, ok. Ça sent bon. Oh, il va arriver au refrain là. Ouais, ça marche bien, il a l’air emballé. Et puis… oh… plus rien. Pourquoi il bouge plus..? Il ré-ouvre même un oeil. Oh non, il me regarde pour me dire quelque chose… nooon… [alerte… alerte…]”

OK, t’as compris… il n’est plus dedans. Ça merde quelque part.

Un problème fréquent quand on débute. Et 8 fois sur 10, je peux te parier ma vieille paire de tongues que c’est lié à la structure utilisée.

J’en suis passé par là aussi. On veut faire compliqué ou original niveau structure, alors qu’en fait… tout le monde s’en fout. Pire encore: tu nous perds avec une structure hasardeuse.

Car oui… c’est qu’on a aussi nos petites habitudes d’écoute, vois-tu.

C’est comme pour le cinéma.

Y a qu’à voir un film d’auteur expérimental sur la vie des pêcheurs Péruviens des années 50 pour comprendre pourquoi les masses se ruent sur le dernier film de James Cameron. La structure nous est juste plus familière avec les films d’Hollywood (et ils le savent). On est en terrain connu, zéro prise de tête.

Et dixit l’auteur du livre: “une correction de la structure peut transformer un bide en hit”.

100% d’accord. (tu ne me vois pas, mais je bouge la tête comme ces fameux jouets chiens qu’on voit parfois sur la plage arrière des voitures)

Ce qu’on retient d’un morceau? les paroles, la mélodie, les ambiances, les sonorités, le rythme, etc. Là, tu peux et TU DOIS être un maximum original.

Mais la structure???

T’entends beaucoup de gens qui te disent qu’ils ont kiffé la structure de tel ou tel morceau? Noooon. Allez, sans mentir? Ja-mais. (A part peut-être des geek du studio comme nous…) Alors laisse tomber.

–> Ne cherche pas à faire des structures alambiquées. Étudie celles qui sont les plus utilisées dans ton style et reprends les telles quelles, ou ajuste-les au besoin. Ce sera plus simple pour tout le monde.

Allez, je t’ai gardé le meilleur pour la fin: l’astuce qui va donner une autre perspective à tes mix.

Focus de l’auditeur

On va parler cinéma encore. (mais pas Péruvien)

Imagine une scène de film dans le hall de la gare Montparnasse. Avec un plan large sur cette fourmilière humaine.

Et puis, un dialogue.

Une femme. Un homme.

Tu les entends, mais tu ne sais pas encore qui parle dans cette foule. “Est-ce ce monsieur ventripotent…? et elle… serait-ce cette dame au grand chapeau?” Au bout de 10 looongues secondes, enfin, ça y est, tu les as trouvé.

Problème: T’es à la ramasse… tu n’as rien suivi de leur dialogue. Alors tu subis, comme quand t’es pris dans une conversation de spécialistes du codage informatique. Le regard perdu dans le vide…

En musique, ça s’appelle un mix plat.

Un mix dans lequel on entend bien tout le monde, comme dans un plan large. Niveau technique, c’est OK, mais le souci sera le même: l’auditeur va se perdre et louper la moitié des trucs intéressants.

Alors observons maintenant comment ils font (pour de vrai) au cinéma quand il y a un dialogue.

C’est très directif:

Le monteur va d’abord nous montrer le visage de la femme qui s’exprime en gros plan. Puis zoom sur celui de l’homme qui lui répond. On revient de nouveau sur la femme qui commence à l’engueuler sévère. Puis retour sur l’homme blasé qui l’ignore en se décrottant le nez… et ainsi de suite.

Il nous dit quoi regarder, sur quoi focaliser notre attention, tout le long.

Le lien avec nous?

Il est de ton devoir en tant que mixeur de nous dire quoi écouter. Sur tout ton morceau.

–> Met en valeur ce qui doit être porté à notre attention à chaque instant. Ne nous laisse jamais le temps de douter. Et d’un mix “plat”, tu passeras à un mix captivant.

Maintenant, j’ai une surprise pour toi.

Ton mixage audio, affuté comme une fine lame

Voilà, on a vu beaucoup de choses dans cet article.

9 points clés qui ont dépoussiéré et éclairé ma manière de mixer. Et j’espère que ce partage te permettra à ton tour de booster tes propres mix.

Alors oui, ça fait beaucoup à savoir, à retenir. Et c’est sûr, quand tu mixes tu ne penses plus à tout ça, t’es dans ton jus. Je sais bien comment ça se passe…

Mais il y a 2 choses importantes que j’aimerais que tu pratiques:

1. Avance un pas après l’autre
2. Récompense toi à chaque étape

C’est très important. Perso, j’ai fait péter les verres de fines bulles avec ma chérie après avoir écouté la différence de qualité par rapport à mes anciens mix.

Et toi, comment tu célébreras ta prochaine avancée?

Penses-y un instant et découvre ensuite ce que je te propose de faire, dès maintenant.

Tu vas choisir juste **une seule astuce**. La noter. La tester. Et te récompenser ensuite de ce nouveau pas. Car ce sera un pas de plus en direction d’une bonne qualité de mix. C’est pas rien